Coalescence: (Coalescències, Coalicions, Col·lisions, Col·lapses)

Resumen

Inauguración 26, noviembre 2022, a partir de las 14h a ADN Platform, con performances de Sara Manubens y Harold Offeh.

 

Con el apoyo de Frame Contemporary Art Finland.

 

Coalescence es el título de una exposición acumulativa en proceso, iniciada por el comisario Paul O'Neill en 2003, en colaboración con Kathrin Böhm, Jaime Gili y Eduardo Padilha. Después de varias iteraciones, involucrando a decenas de artistas y espacios, el proyecto llega a ADN Platform para su reapertura tras la interrupción por la pandemia. En esta ocasión, la exposición cuenta además con la participación de las artistas Núria Güell, to kosie, Sara Manubens, Suzanne Mooney, Harold Offeh, Agnès Pe y Pilvi Takala, y de Xavier Acarín como co-comisario.

Coalescence es el resultado de la desmitificación de los procesos de producción y mediación del arte y rehúye la posición del comisario como maestro-planificador. El proyecto reflexiona sobre cómo la configuración de la praxis curatorial puede hacerse evidente en la exposición como forma. Aquí, el espacio expositivo de la galería deviene un ambiente en mutación que facilita la colaboración entre artistas y la fusión de sus obras en un conjunto. Al hacerlo, la exposición facilita diferentes modos de encuentro guiados por coordenadas espaciales. Cada capa influye en los tres planos de interacción de la exposición: el fondo de la arquitectura, las estructuras de exhibición en término medio, y el primer plano donde confluyen los objetos y cuerpos que habitan la galería. Al subrayar la interdependencia de las tres capas y al cuestionar los límites de la individualidad y la autoría, la exposición se inclina hacia la cooperación y un sentido de unión que busca redefinir la exposición colectiva como formato dominante en el arte contemporáneo.

 

Jaime Gili, Eduardo Padilha y Kathrin Böhm han intervenido la arquitectura del espacio con una serie de carteles, tipografías, materiales impresos y pancartas que crean un ambiente, transformant el carácter industrial del espacio de ADN Platform en el escenario de la exposición. Este trabajo es el resultado de un proceso de adaptaciones y modulaciones hechas en el propio lugar, y que promueven la idea de “fondo” como dispositivo visual que permite el despliegue posterior de elementos comunes entre todos los trabajos y performances.

 

La Feria de las Flores (2015) de Núria Güell es el resultado de una colaboración entre la artista y un grupo de menores víctimas de abusos sexuales, realizada en el Museo de Antioquía de Medellín. Guiando una visita en el museo, las menores relacionan sus historias personales con las pinturas de Fernando Botero, revelando las estructuras de explotación subyacentes. Si bien la ciudad ha promovido una imagen de éxito económico y vitalidad cultural, también alberga un mercado de vírgenes que alimenta a turistas sexuales principalmente de EE. UU., España, Alemania, Israel y México.

 

to kosie, Sara Manubens y Agnès Pe, presentan una conjunción de elementos escultóricos, acústicos y performativos, formados por su interés en la fluidez como un proceso continuo de posibilidad y diferencia. Buscando una dimensión de inter y codependencia que escape de los límites del yo, de lo humano y lo normativo, sus objetos, sonidos y cuerpos se convierten en resonancias de paradigmas transformadores que desafían los códigos establecidos de género e individualidad.

 

Suzanne Mooney se centra en la supuesta objetividad de los dispositivos ópticos que formulan la “verdad” dentro de los sistemas de conocimiento tecno-científico. Su video SCOPE (2022) se inspira en una caja con mapas estelares, un telescopio, un disco de vinilo y transparencias, incluidos en un kit espacial de 1980 producido por la National Geographic Society. Lo ilusorio y lo real se vuelven indistintos aquí, demostrando las múltiples capas que componen la investigación basada en lentes de visión, susceptibles al sesgo interpretativo. Al cuestionar la idea de veracidad, la pieza abre la puerta a un cambio perceptivo hacia la exploración de la imaginación.

 

Lounging de Harold Offeh es una extensión de Covers, una serie de trabajos iniciada en 2008 en la que el artista se basa en las metodologías de la performance establecidas en la década de 1970. Al recrear las portadas de álbumes de cantantes negros de los años setenta y ochenta, Offeh usa su cuerpo como un cuadro estático, movilizando el poder de la mediación visual y el potencial de la fotografía para la presentación de uno mismo. El universo cultural de la imaginería pop hace tambalear los estereotipos de identidad asumidos desafiando las nociones preconcebidas del espectador.

 

El video de Pilvi Takala The Stroker (2018) se basa en su intervención en Second Home, un espacio de coworking en el este de Londres. Takala se hizo pasar por una consultora de bienestar llamada Nina Nieminen, fundadora de una empresa contratada para ofrecer servicios de contacto físico en el espacio de trabajo. Con esta pieza, Takala revela las convenciones tácitas que rigen el "comportamiento aceptable" codificado por una coreografía cotidiana de gestos normalizados. Cualquier cosa fuera de lo aceptable se vuelve incómoda, embarazosa, inadecuada para la semana laboral rutinaria, incluso en un entorno supuestamente "innovador". La codificación del tacto aparece aquí como la barrera de la división social y económica.

 

Al incluir el subtítulo (Coalescències, Coalicions, Col·lisions, Col·lapses) [Coalescencias, Coaliciones, Colisiones, Colapsos], 'Coalescence' reacciona a un contexto de crisis global que desde 2003 han acelerado las múltiples formas de violencia y desigualdad estructurales. Veinte años después, el carácter colaborativo del proyecto adquiere otro tono. Si bien la reunión de personas y obras de arte continúa definiendo un sentido de proximidad, esto ahora también plantea una pregunta inquietante. ¿Cómo estar juntos cuando nos sentimos divididos, desconfiados, escépticos unos de otros y ansiosos por nuestro futuro colectivo? Mientras vivimos los efectos del racismo sistémico, las pandemias, las guerras, el colapso ecológico, las crisis humanitarias y las involuciones democráticas, ¿cómo podemos crear un proceso de convivencia que permita la reciprocidad y la permeabilidad? ¿Qué agencia tienen los procesos sobre las conclusiones ya predeterminadas? ¿Qué función tiene la duda en relación con la autosuficiencia? Tomando la coalescencia de prácticas artísticas como idea, como metodología y como proceso de mezcla, 'Coalescence' cuestiona los privilegios excluyentes del arte contemporáneo y se pregunta si la exposición colectiva como forma aún puede ser utilizada, desafiada, extrapolada y si, al mismo tiempo puede facilitar múltiples modos de combinación, contestación, compromiso y cooperación.