Desplace hacia abajo para ver imágenes
Scratch
Fechas: 18 de diciembre 2009 – 31 enero 2009
Inauguración: 12 de noviembre 2009 a las 19h30
SCRATCH es la tercera exposición colectiva de ADN Galería dedicada exclusivamente al dibujo. La primera se celebró en mayo de 2007 bajo el título “Drawing and Dreaming”. Esta muestra, si bien giraba en torno al contraste entre el blanco y negro como sustrato formal, indagó el lado más onírico, más estrechamente relacionado con las emociones y si cabe utópico del dibujo. Éste, se presentó como lenguaje personal, ejerciendo de conector entre lo más íntimo y subjetivo de cada autor con el mundo del espectador, el empirismo del mundo real, dando lugar a la posibilidad de concebir nuevas nociones de sociedad, siempre desde la perspectiva del humor y la ironía. La narrativa de la exposición posibilitó también la aparición de la relación con el cómic, por la gran expresividad de las imágenes producidas. Era pues la demostración de que sólo son necesarios un lápiz y un papel para escribir dibujando. Los protagonistas para la ocasión fueron Judas Arrieta, Abdelkader Benchamma, Petra Mrzyk y J.F. Moriceau, Pierre la Police y Virginie Barré.
Para la segunda, llevada a cabo un año después, se eligió el título “Paperless Marks” para enunciar una exposición en la que se le exigió al dibujo prescindir de su formato más habitual: el papel. “Paperless Marks” respondió a un guión más formalista, centrándose en el soporte físico y acogiendo obras más dispares entre sí. Se trató pues, de una reflexión sobre la propia disciplina gráfica, investigando sus posibilidades más allá de su apariencia tradicional, indagando en su capacidad expresiva y creativa propia del momento de apertura del que afortunadamente disfruta el arte contemporáneo. En esta segunda entrega contamos con los trabajos de Abdelkader Benchamma, Marc Quintana, Frank Plant, Qubo Gas, Jesus Galdón, Fleur Noguera y Federico Solmi.
En la presente ocasión, el diálogo entre las obras se desarrolla a un nivel más conceptual que práctico. SCRATCH reúne propuestas críticas, directas, sin ambigüedades, tan necesarias para evitar que el sistema del arte se aboque, para decirlo con José Luís Brea, a un "desfallecimiento entrópico" y evitar así mismo que el arte pierda significación, capacidad de negación, de diferencia. Y entendemos que eso sólo es posible reforzando el mensaje y a la vez indagando en la optimización de su transmisión, en su formalidad. Las obras que aquí presentamos no sólo transmiten ideas potentes, sino que lo hacen con gran elocuencia, expresividad y rapidez, a modo de arañazo al espectador, sorteando la indiferencia. “Scratch” hace referencia al gesto comunicativo, a la inmediatez del dibujo en la transmisión del mensaje.
Pero en su relación con la música, se permite también una lectura que remite la creación a un momento postproductivo. “Scratch” es la práctica musical contemporánea que consiste en crear nuevos sonidos partiendo de una melodía ya conocida, trabajar con un disco preexistente para generar nuevas composiciones. Bourriaud estableció el paralelismo de cierta tendencia en el arte contemporáneo con la práctica del djing. Tomando este paralelismo, entendemos que la postproducción es un gesto común en ciertas formas creativas, posiblemente desarrollado con mayor intensidad en el arte más reciente aunque no específico ni exclusivo de él, compartido por algunos de los artistas que aquí presentamos. El trabajo de algunos de ellos es eminentemente postproductivo pues se sirve de métodos (de montaje) estrechamente vinculados a las últimas tecnologías. Otros, se sirven (apropian) de los símbolos que continuamente genera la sociedad de masas para introducir variaciones en ellos, para remezclarlos, dándoles nuevos sentidos e insertándolos de nuevo en el círculo del imaginario colectivo.
Así, podemos entender el título de la exposición desde las dos lecturas propuestas: “Scratch” como gesto comunicativo rápido y directo (arañazo) o “Scratch” como forma postproductiva de creación (scratching). A través de este razonamiento pretendemos contribuir y defender la expansión del dibujo, pues entendemos que más que una técnica secundaria o preparatoria, el dibujo está ya consolidado en un papel absolutamente relevante en el ámbito del arte contemporáneo y quizás por su gran potencialidad expresiva, por su rapidez o por su maleabilidad, permite su presencia en todos los rincones de la cotidianidad. SCRATCH es nuestra propuesta para sostener la fuerza del arte. Se trata de propuestas cargadas de contenido, de sentido crítico, reivindicativo y de necesidad expresiva. Se apela a un arte contestatario, que recupera toda su vitalidad y la potencialidad en el campo de lo social, pero que paradójicamente se presenta en un soporte humilde, débil. La sutileza del medio contrasta así con la fuerza del mensaje.
La colectiva incluye obras de Marc Bijl, Rebecca Bournigault, Rainer Ganahl, Kendell Geers, Basim Magdy, Eugenio Merino, Bruno Peinado y Federico Solmi. En definitiva, recuperamos el dibujo como denominador común a los artistas presentados, que si bien comparten el interés en la codificación de mensajes que sean de carácter político, reivindicativo y socio-cultural, provienen de tradiciones divergentes. Y aunque sean artistas inscritos en lo que Rosalind Krauss identificó como postmedialidad, recuperamos aquí su habilidad en el dibujo, presentando sus obras gráficas, ya no como ejercicio complementario, sino como técnica significativas en sus carrera artística.
Marc BIJL: Vive y trabaja entre su Holanda natal y Berlín. Desde una estética postpunk, su obra fluctúa entre la pintura y el dibujo, la escultura y la instalación multimedial, siempre con un claro contenido político, reivindicativo y revolucionario. Sus acabados son rudos, y es a través de la crudeza de la imagen que representa a menudo la violencia, estableciendo un reflejo semántico entre contenido y continente. Abunda el color negro, los sprays, los materiales sin pulir e incluso el fuego. Su imaginario son los símbolos generados por la cultura popular, de algún modo utilizados aquí para combatir lo que de ella deriva. Marc Bijl remezcla signos mundialmente reconocidos y aprehendidos para generar nuevos discursos. Marc Bijl ha expuesto recientemente en el Domus Artium de Salmanca (Arrested Development, 2009), y en varias instituciones de Holanda y Alemania como Kunsthalle Fridericianum de Kassel (The Simple Complexity of it all, 2009) o CoBrA Museum Amstel de Holanda (Brave New World, 2007). Tiene obra en la colección MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) y en colecciones privadas de Europa y Estados Unidos.
Rebecca BOURNIGAULT: Joven artista francesa, Rebecca Bournigault es reconocida internacionalmente por su trabajo retratístico y se ha consolidado recientemente también en el medio audiovisual. Bournigault mantiene un constante interés por cuestiones metafísicas, especialmente por el psicoanálisis y su relación en el desarrollo de la persona. A menudo su obra adopta características típicas del cuento de hadas, pues según ella éste tiene en el niño un efecto de catarsis que contribuye en la reaparición de algunos recuerdos inconscientes reprimidos que hacen que el valor de descarga emocional liberadora, de un modo similar a la acción del arte en la persona adulta. A la vez, su obra es eminentemente política, bebiendo en parte del legado feminista, en parte de los ideales revolucionarios franceses, reflejando siempre el momento en el que vive, multicultural en el campo social, plurimedial en el campo artístico. Rebecca Bournigault ha expuesto útlimamente en algunas galerias relevantes en el mundo del arte de Francia y Bélgica (Galerie Desimpel, Brussels; Galerie Almine Rech, Paris) y en instituciones internacionales como el Museo Nacional de Bellas Artes de Québec (Emporte-moi / Sweep off my feet, 2009) o el Palais de Tokyo de Paris (La chambre interdite, 2005). Ha participado también en varias ferias de arte internacionales como FIAC (2009, Galerie Frédéric Giroux), ArtBrussels (2009, 2007, Galerie Frédéric Giroux, Paris) y ARCO (Galeria Almine Rech Gallery).
DEMOCRACIA: DEMOCRACIA es el nombre del colectivo madrileño formado por Pablo España e Iván López, ambos cofundadores del disuelto El Perro (1989-2006). Ya desde su trayectoria anterior, muestran un constante interés por la realidad socio-cultural del momento. Sus proyectuos pueden ser definidos como intervenciones en el ámbito social, resueltos no sólo a modo de análisis, sino también de crítica. Éstos, responden a una preocupación sobre la progresiva escenificación de los ámbitos de convivencia; visible, no sólo en la importancia, cada vez mayor, de la imagen, sino también en la paulatina incorporación del simulacro a diversos campos de la vida cotidiana, tales como la política, la tecnología o la cultura. Democracia trabaja también en el campo de la edición como directores Nolens Volens y en el comisariado (No Futuro, Madrid Abierto 2008, Creador de Dueños). Democracia han participado en la Bienal de Taipei (2008), la Bienal de Istambul (Not Only Possible, But Also Necessary, 2007), ferias de arte como Photo Miami (2007) o ARCO (2007, 2008), y expuesto en instituciones como Chelsea Art Museum (The Promised Land, 2008), Kumho Museum Seoul (Tomorrow, 2007), Organización Nelson Garrido de Caracas (No Futuro, 2007) o el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona (Entresijos y Gallinejas, 2007).
Rainer GANAHL: De origen austríaco afianzado en NY, Ganahl desarrolla su trabajo artístico básicamente a través de la fotografía, el vídeo y la performance. Se podría definir su obra como “procesual”, tanto por la explicitación del proceso artístico como por su interés en el propio concepto de evolución. A menudo sus piezas ponen en relieve la evolución misma de la obra, desde su momento gestativo hasta la finalización de la misma, a modo de work in progress (“9/11”), o bien representan la documentación de algún acontecimiento histórico o social, como fue el advenimiento del Euro en Austria, generando la desaparición de su moneda tradicional, el schilling. Su trabajo constituye una metódica crítica social haciendo de Ganhal un artista comprometido con los problemas políticos y culturales, hecho que se hace patente no sólo en su obra sino también en su tarea pedagógica. Rainer Ganahl ha participado últimamente en importantes bienales como la de Venecia (2009, Pavillion of Urgency; 1999, Offene Handlungsräume, Australian Pavilion), Shanghai (2008) o Istambul (2007). Ha formado parte también de ferias internacionales como Art Brussels (Ephemeral Frindge, 2008) así como ha expuesto en instituciones como el Centre Georige Pompidou (Web, 2001), Kunstraum Niederoesterreich de Viena (LA PETITE HISTOIRE, 2008) o el Centre d’Art Contemporain de Ginebra (Photo_Traffic, 2006).
Kendell GEERS: Sudafricano de orígen y establecido en Bruselas, este artista, performer, músico y director cinematográfico, explora a lo largo de su carrera las diversas formas que toma la violencia en las sociedades marcadas por el fuerte influjo de los medios de comunicación, haciendo hincapié en la banalización de la representación de la violencia a través de los medios contemporáneos. Sus obras están cargadas de referencias políticas y raciales, siendo la problemática sudafricana un motivo recurrente en su imaginario. Asimismo, Kendell Geers es conocido por haber hecho gestos de bravura como cambiar su fecha de nacimiento durante la Biennal de Venecia de 1993 a mayo de 1968 u orinar en la Fountain de Marcel Duchamp. Kendell Geers cuenta con un gran número de exposiciones en galerías, centros de arte e instituciones internacionales. Entre ellas destacamos su reciente participación en DA2 Domus Artium 2002, Salamanca (Irrespektiv, 2008), B.P.S.22 Espace de création contemporaine, Charleroi (Auto-Da-Fé, 2007), Centre d’Art Contemporain Georges Pompidou, Paris (Dionysiac, 2001) y en eventos como la Bienal de Arte Contemporáneo de Moscow (2007), la primera Bienal de las Islas Canarias (2007), la Bienal de Taipei (The Sky is the Limit, 2000) o la 11ª edición de DOKUMENTA de Kassel (2002).
Basim MAGDY: De orígen egípcio, Basim Magdy vive y trabaja en Basilea. Trabajando básicamente el arte instalativo, Magdy cuenta también con obra gráfica y videográfica. Sus piezas, que reflejan un gran sentido escénico, narran situaciones extrañas, casi siniestras. Reconocemos sus elementos como familiares pero algo nos dice que a pesar de hablarnos de nuestro mundo lo hace con elementos fantasiosos. Por su gran capacidad narrativa, sus imágenes se acercan al cómic, o hasta se confunden con la viñeta gráfica, y por la rareza de las situaciones que crea, se introduce en el terreno de la ciencia ficción. Es en este juego entre lo real y lo imposible, lo verdadero y lo figurado, el sueño y la vigilia, en el que se debe entender el mensaje crítico de Magdy. Tanto el imaginario como la técnica, su metódica utilización del spray se entiende como una exploración del universo post-pop, con una fuerte influencia de la cultura de masas. Basim Magdy ha expuesto en galerías norte-africanas (On A Better Day Than This, Townhouse Gallery of Contemporary Art, Cairo, 2008), europeas (Fragile Monuments, Suzie Q Projects - Galerie Bob van Orsouw, Zurich, 2009 –vv.aa.-) y americanas (In the Grave of Intergalactic Utopia, Newman Popiashvili Gallery, New York, 2006; Your New Life with Your Old Enemies, ObjectNotFound Project Space, Monterrey, 2005), así como ha participado en algunas de las grandes ferias de arte internacionales (Gazing at the Miracle of Civilization, ARCO Projects, 2007; NADA Art Fair, Miami, 2005; Artissima 12 Art Fair,Turin,2005).
Eugenio MERINO: A lo largo de su carrera Eugenio Merino ha demostrado gran desenvoltura en la variedad de medios que trabaja, siendo estos la escultura neorrealista a base de resinas, la instalación, el vídeo (generalmente trabajado desde la apropiación de elementos), la pintura y el dibujo. Sus dibujos irreverentes, igual que sus esculturas y sus instalaciones, son muy directos y unívocos. Merino utiliza el imaginario de la cultura popular como materia prima, a través de sus símbolos genera nuevos mensajes, claros y contundentes, falsea la realidad para abrir nuevos caminos narrativos. Merino es definitivamente un profesional de la actualidad y lo expresa de una manera universal; su lenguaje popular le permite llegar a todos los rincones que se proponga de una manera efectiva y directa. Eugenio Merino ha participado en algunas de las ferias internacionales de arte más relevantes, como Volta New York (ADN Galería, 2009), ARCO (solo project, ADN Galería, 2009), Art Brussels (ADN Galería, 2008), FIAC (Galería La Fábrica, 2004), o más recientemente en la Bienal Animamix de Taipei (2009). En estos momentos se prepara una exposición en el Domus Artium de Salamanca y la participación en una muestra en el BPS22 de Bélgica.
Bruno PEINADO: Podemos entender la obra de este consolidado artista francés de origen antillés desde varias vertientes. La obra de Bruno Peinado esconde siempre un mensaje crítico, sea socio-cultural, sea puramente artístico. Asimismo, su obra se caracteriza por beber de la línea abierta básicamente por Duchamp (o al menos reconocida mundialmente por este artista) y explorada hoy desde todas las disciplinas artísticas: el proceso creativo del apropiacionismo y el ready-made. El artista no sólo utiliza materiales industriales como materia prima, sino que se sirve del imaginario de la cultura popular para introducir pequeñas variaciones que cambian (a menudo de forma radical) el contenido, el sentido y el significado de su mensaje original. Y más allá de su capacidad plurimedial, que más que una habilidad parece condicio sine qua non de su obra, destacamos la inagotable capacidad de reconfiguración de escenarios en los que se dan cita referentes de la alta y la baja cultura. Bruno Peinado cuenta ya con un número importante de exposiciones, realizadas tanto en territorio europeo como norteamericano. Destacamos su participación en centros de arte como el Georges Pompidou, Paris (ME, MYSELF AND I, 2008), Palais de Tokyo, Paris (Perpetuum Mobile, 2004), Esculturismos, 2008 Madrid, las nuestras itinerantes Nuevos Horizontes e Igualdad, Libertad y Fraternidad, en la Bienal de Sao Paolo, en la Bienal de la Luz en Portugal, así como en ferias internacionales como ARCO (2009) Art Cologne (2009, Köln), FIAC (2009), Volta 5 (2009), The Armory Show (2009) o Art Brussels (2008)
Federico SOLMI: Italiano establecido en NY, Federico Solmi ha sido galardonado en 2009 con el Guggenheim Fellowship en la categoría audiovisual. Con unos dibujos cercanos a un arte naïf, de gran potencia expresiva y fuertemente cargados de color, Solmi narra historias críticas y desenfadadas, cargados de pasajesde sexo, destrucción y violencia. Sus relatos, aunque presentados a través de un imaginario propio del cómic y a primera vista más cercanos a un mundo de ficción, representan una crítica hábil y sin tabujos a una realidad compartida con el espectador. Solmi es ya recordado por su vídeo “The Evil Empire”, que generó gran controversia y duras críticas por mostrar un Papa en posiciones lujuriosas y hasta sadomasoquistas. Federico Solmi es ya un artista reconocido tanto en Europa como en Estados Unidos. Ha participado en importantes ferias internacionales como Art Brussels (2008), Pulse NY (2008), Slick Paris (2007) Pulse Miami (2006) o Artissima Turin (2005). Sus obras han estado expuestas en galerías como Van Der Stegen, Paris (I Mostri, 2009, comisariada por Yann Perol), Scaramouche Gallery de New York (practice of Joy before Death; just would not be a party without you, 2009) o LMAK Projects de la misma ciudad (The Evil Empire, 2008). Asimismo, ha participado en museos y centros de arte como el Georges Pompidou (The Rencontres Internationales, 2009), Centro de Arte 2 de Mayo (The Rencontres Internationales, 2009) o Drawing Center New York (Emerging Animators Screening, 2007).
